memoria (s), identità (s), marginalità nel mondo occidentale contemporaneo

1depuis 1998, con il grande SUCCESSO, Sia Cinematografico che Discografia, dal Buena Vista Social Club (d’ora in poi BVSC) di Wim Wenders e Ry Coder, la rappresentazione sullo schermo della musica popolare del suono e cubana ha avuto una vera nuova ondata.

2Depute La fine del “periodo speciale” e con la crescita del turismo e delle co-produzioni con l’Europa e i cineasti indipendenti degli Stati Uniti, le truppe di tutto il mondo hanno riscoperto l’isola e la sua musica. La vita, il lavoro, il virtuosismo e l’immagine dei musicisti cubani e dei cantanti sono stati esplorati da diversi documentari, ma hanno anche fornito un mezzo efficace di organizzazione di parlato e narrativa, che serve il cinema non documentario. Gli sceneggiatori, e ancor più i paesaggi del cinema indipendente europeo e americano, hanno trovato un’atmosfera e luoghi di svolta seducenti nella storia e i luoghi più tipici della musica cubana (Cabaret, discoteca, Lupanar the Grand Hotel, il resort, il Casinò , il grande soggiorno, la terrazza e il parcheggio di un ex edificio coloniale, la danza accademia, la sala da concerto ecc.).

3Questa religione di nostalgia ha dato un tocco di fascino per il fascino Passato dell’isola, rendendo la Cuba D’Hemingway e Batista una luce tropicale e “Plateada”, un mix di Parigi Parigi ventuno Las Vegas, un’area di privilegio di élite, corruzione e decadenza sofisticata. I rituali sessuali e alcolici e gli eccessi di questo bohémien “invecchiato” (simboleggiati da prodotti tipici come sigari e rum), sono una copia bianca della nostra visione della cultura afro-cubana. Il mito dell’Avana, come l’immagine e la musica dei “suoi” neri, si presenta sullo schermo in un difficile equilibrio tra l’eleganza naturale di un’eleganza naturale di un’aristocrazia selvatica, ha fatto saggio dai suoi ricordi della schiavitù, e il kitsch di un carnevale ubriachezza trasformato in una professione dal virtuosismo dei musicisti.

4Questo suppone, per gli sceneggiatori, il recupero di una directory in cui il nero e il Melo danzano e si toccano a vicenda: la famiglia, l’onore, Tradimento, perdita e recupero della dignità, della sfida, dell’amore e della morte sono gli ingredienti la cui cucina internazionale è stata utilizzata per organizzare e diffondere immagini Old Cuba e la sua musica. I suoni del suono e del bolero sono stati adottati come capitoli della colonna sonora, ma anche facendo modelli genuini di sensibilità e organizzazione della storia. La canzone del Boléro accompagna la rappresentazione della vita dei musicisti, sia appassionati che calmi, rallentati e frenetici. Tra immagine e suono, qualsiasi contrasto scompare. A suo posto, c’è piuttosto qualcosa che è simile allo specchio e, allo stesso tempo, nel Mirador: grazie alla presenza della musica, la visione della singola avventura moltiplica e si trasforma in un panorama, la mortalità diventa storia e , soprattutto, una triste consapevolezza della storia, senso di fatalità.

5 Tutto ciò che suggerisce l’antitesi dell’era contemporanea, cioè allo stesso tempo, retorica burocratica e militarizzata della rivoluzione (“¡hasta il Victoria Siempre! Y ¡Cuba gratis! “), Dell’atmosfera troppo dolce, sempre ubriaco e transpirante, massiccio turismo di massa. I due mondi condividono la condizione sgradevole di essere maschere della modernità industriale la cui ricerca di bellezza e piacere non conoscono il gusto della bellezza e del piacere di piacere.

6it è buono. Vero che in molte immagini turistiche di L’isola, la musica popolare di Cuba accompagna le promesse di seduzione del settore vacanze e ricreative: natura, danza, giovani gigolos (jineteros e jineteras) ecc. A volte l’uso di questi stessi simboli può aprire le porte a una critica politica di queste promesse, da qualsiasi memoria della rivoluzione o di qualche frammento del suo discorso, ma in tutte le produzioni di questo tipo la musica non supera mai un ruolo di superficie. Le due dimensioni del discorso turistico (quella del turismo sessuale e di quella del turismo solidarietà) condividono, in realtà, l’eco dello stesso immaginario, sia esotico, tropicale che sensualista.

7 La ricostruzione cinematografica, con testimoni e / o ha messo in scena le atmosfere del cosiddetto “Cuba Felix” degli anni Trenta, quaranta e cinquanta è qualcos’altro.

8Il tempo perduto dei grandi club notturni e della vita notturna dell’Avana, è diventato lo specchio privilegiato di una prospettiva ideologica molto più complessa, in cui Mingle Nostalgia e Cariño (tenerezza), a cui il mito di CUBANIA (CUBANITY) è celebrato e messo in scena per sviluppare critico antropologico ed estetico, prima e più che politico, turismo oggi e lo stile pubblico di Castrism e la rivoluzione. Questa reverie colorata e luminosa ha reso il ricordo delle notti dell’Avana de Fulgenzio Batista il simbolo di un tempo giovanile perduto, contrario all’immagine incolore, decrepit e scrematura che proponiamo di Fidel Castro (The Líder Máximo, che è appena ritirato) Da suo fratello Raúl (che ha appena ereditato il potere) e la loro dieta, ma anche oltre il sentimentalismo erotico e pedopornografico del turismo oggi, messo in Abisso da Wolinski nel suo signore Paul a Cuba. Questo doppio contrasto apre la porta della directory nostalgica dell’UBI Soft (Villon), facendo anni quaranta una vera età dell’oro d’amore e la vita in rosa, la maschera di un mondo in cui tutte le cose erano ancora possibili.

9Le interviste con cubani molto anziani (ancora più anziani di Fidel Castro e suo fratello), la creazione dei loro ricordi e band con nuove versioni dei grandi classici del suono. E il Bolero identifica una retorica superficiale sopra la quale si può riconoscere a Real replay sia della rivoluzione che delle sue pratiche, ma del suo discorso sulla storia di Cuba prima della rivoluzione e sulla vittoria di Castro e Castrism. Sullo schermo questo discorso è stato tradotto da film come il secondo episodio di Lucía de Humberto Solás, o il primo di Soia Cuba di Mikhail Kalatozov. Gli scenari di questi film evidenziano la realtà dell’ingiustizia, la disuguaglianza sociale e lo sfruttamento umano che si nasconde dietro la facciata dorata della compagnia dell’azienda e dei locali notturni nei Times di Machado e Batista.

10 Il cinema oggi, su Il contrario, utilizza la stessa directory dei luoghi per raccontare un’altra storia, abbastanza diversa. Il mondo dei locali notturni non è più visto e vissuto come una facciata che nasconde la miseria, ma come la destinazione finale di una carriera artistica capace di consentire ai poveri di immaginare e conquistare, grazie ai loro talenti, una vita diversa, sempre difficile e complicato, ma pieno di luci, amore e denaro.

11Questa strategia, individualista e antidelogico, revisione della storia e passato, ha continuato attraverso il mito della musica, il suo uso e la sua immagine sullo schermo, disegna Le sue origini alla fine della Guerra Fredda e la trasformazione della rivoluzione cubana in una delle ultime esperienze del vero socialismo in tutto il mondo, l’unico continua ad ovest. Sport cubani (boxe, pallavolo, baseball, ecc., Festeggiato in film documentari come Nocaut de Stefano Knuchel e Ivan Nurchis, prodotti in Messico EN1983, o libri come l’orgoglio dell’Avana: una storia di baseball cubana, da Roberto González Echevarría, pubblicato Nel 1999 da Oxford University Press) partecipato, con la loro epica, i loro sacrifici, i loro risultati, i loro eroi e i loro titoli olimpici, la retorica della vittoria, tipica di qualsiasi rivoluzione.

12 A seconda dello stesso periodo il La musica è sempre rimasta fedele alla propria tradizione, a una visione anti-epica, ironica, grottesca e disincantata di tutto il potere e tutti gli eroi, quelli della rivoluzione inclusa. Questa tradizione melo e grottesca, che riconosce la dignità umana solo nella capacità di continuare a vivere in sconfitta e sofferenza, non poteva diventare uno strumento di propaganda politica diretta efficace, ma potrebbe essere usato indirettamente, come negli anni ’60 e ’70, una certa letteratura cubana (in particolare la letteratura di José Lezama Lima, Virgilio Piñera, Guillermo Cabrera Infante, Severo Sarduy e Reinaldo Arenas), che potrebbero essere descritte come un’opposizione estetica e omosessuale. Al dogmatismo burocratico, il machismo della rivoluzione e del socialismo. Era una letteratura della resistenza omosessuale, sofisticata e molto élite, in cui il machismo della musica popolare è stato celebrato come il simbolo più “autentico” di Cubanía, una parola in cui era possibile squillare, e tradurre insieme, lo spirito di a identità nazionale e il mito della vitalità dell’isola e del suo popolo.

13La differenza, implicita, tra questo “simbolo autentico” e i “simboli retorici”, imposti dalla propaganda nazionalista della rivoluzione, gira in un veicolo privilegiato di critiche di potere, il suo militarismo e la sua logica.Un altro livello di critica nasce dal parallelismo tra la violenza criminale del mondo dei locali notturni e della violenza burocratica e militare della rivoluzione e dei suoi rappresentanti in uniforme: nelle pagine di questa letteratura le due realtà, mercato musicale e Ejercito Rebelde ( L’esercito ribelle), condividi la stessa logica di sottomissione e schiavitù, corruzione della mafia e bugia, controllo del territorio e vita. Le due realtà segnano il limite della libertà, economica e politica, del “suono”, vale a dire il limite della fedeltà del suono al suo mito, la sua tradizione di misceGenation, il suo stile e il suo cubanía. Mentre, Bolero, Salsa, Merengue, Cha Cha CA e Bachata sono ibridi internazionali dei Caraibi, il suono è, e resta, una miscegenazione afro-americana quasi solo cubana e tipica di Cuba.

14the Passaggio dall’immagine letteraria di questa musica alla sua immagine cinematografica, fiction o documentario, rinnova la formula delle critiche indirette verso il meccanismo di qualsiasi potere che il suono suppone e i Soneros festeggiano e praticano. Con la mediazione del Nestor Almendros e Orlando Jiménez Leal, Conduca Impropia, sulla politica anti-omosessuale del castrismo, il gioco sta diventando sempre più consapevole e strategicamente accurato ed efficace. Di antropologia e storia della musica (raccontata da due maestri del test musicale come Ortiz e carpentiere) il suono ha viaggiato in letteratura e, dalla letteratura (Cabrera Infantte e Sarduury), arrivò al cinema, facendo il gigantesco schermo la sua nuova casa e il mercato audiovisivo un mezzo di diffusione perfettamente alla scala della sua globalizzazione.

15 La musica cubana è arrivata in tutto il mondo, ma la sua immagine divenne sempre più ricca, celebrata e politicamente problematica, dopo la fine del Guerra fredda e, in seguito, con il successo internazionale del BVSC, il film-disco-tour che documenta la collaborazione tra il regista tedesco Wim Wenders e il musicista americano Ry Comforter, Master, rispettivamente, dal ritratto musicale (alcuni anni dopo, Nel 2003, Wenders ha trasformato l’anima di un uomo, dedicata alla vita artistica del Bluesmen Skip James, Willie Johnson e JB Lenoir) e la riscoperta e il recupero della musica “MO NDE “(con diversi record ispirati alle tradizioni musicali dell’America Latina).

16Il film, ben noto, documenti, con un taglio alternato che li rende paralleli, due viaggi: nel primo RY Coder e il suo Il figlio Joaquim va a Cuba, per trovare luoghi, canzoni, testimoni e protagonisti dell’età dell’oro del suono e dell’orlo di bolero; Nei secondi vecchi musicisti della formazione combinati dal Viaggio Cooder negli Stati Uniti per risuonare le note del suo concerto di Zombis del suono nella notte della Carnegie Hall di New York. Il risultato è uno strano mix. Il film su strada un piccolo picaresco dal coordinatore, padre e figlio, sembra, in effetti, a una versione tropicalizzata dei Blues Brothers, con una “micro-famiglia” che usa un vecchio mezzo di trasporto (una moto con il sidecar per il figlio coordinato , un’auto della polizia per i fratelli Blues Blues Jake e Elwood) per riunire una piccola orchestra di ex-musicisti; La cronaca del concerto offre una versione per la pensione turistica del re Kong, con la presentazione, al centro della Grande Mela, una mostra di fossili dal vivo nel mondo selvaggio, trovato in un’isola tropicale e presentato a un pubblico. Coltivato, che, nella sua storia, aveva già conosciuto le mitiche glorie di Calle 54 (il cinema raccontata da un documentario diretto da Fernando Trueba nel 2000).

17 I protagonisti del BVSC partecipano all’avventura di questa storia con il ricordo vissuto di una storia che è sia individuale che collettiva, fatta di talenti e bei ricordi, che celebrano il mito di un mondo risparmiato Forma di miseria per musica, creatività artistica e amore dell’art. Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Doña Omara Portuondo, Rubén González, “Puntillita” e gli altri protagonisti del Ripetagonge organizzati da Cooder e raccontati dalla Wenders Fotocamera prestano le loro voci, i loro volti rugosi e i loro strumenti alla ricostruzione di un dialogo artistico con il passato dell’isola; Tutto intorno alle vecchie canzoni che ripetono, i vecchi trovano lo spirito della loro giovinezza e l’opportunità molto concreta di una seconda vita, messo in atto da un’industria nostalgia molto efficace. Attraverso di loro, il mercato libero trova Cuba e si ritrova a Cuba.

18 La sessualità e il tipico sensualismo del suono, in cui il codice omofobico del Machismo trionfa sempre in grottesco, trova un meccanismo di filtraggio molto efficace . Nei volti rugosi dei cantanti.La loro mostra trasforma il sesso e il suo codice in modelli simbolici di un tributo all’eleganza, un piccolo kitsch, un’era e il suo stile. Prima del 1998, diverse coproduzioni cinematografiche avevano già lavorato allo stesso argomento, cioè la relazione restaurata tra la musica cubana e l’industria europea discografica (Lágrimas Negras de Sonia Herman Dolz, 1996, in un tour di Vieja Trova Santiaguera nei Paesi Bassi) e Gli Stati Uniti (con film come Yo Soy, del figlio con Salsa, da Rigoberto López, 1997, molto più storico e documentario di BVSC, con Isaac Delgado che racconta la gloria dei suoi antenati artistici, o come Calle 54 de Trueba, 2000) .

19 In una linea molto vicina a Codificatore e Wenders, può anche essere scorsese e Coppola, che, tra il 1993 e il 2004, riscoprire e dare la possibilità di una seconda vita al film Soy Cuba, co- Prodotto da Icaico e Mosfilm, girato interamente in spagnolo a Cuba tra il 1961 e il 1964 dal regista sovietico Mikhail Kalatozov (sullo scenario d’Enrique Pineda Barnet e Ievgueni Ievtouchenko). È un film di quattro episodi sulle contraddizioni della vita quotidiana al momento di Batista (contraddizioni che la rivoluzione e il suo tentativo di risolverli).

20 Il primo capitolo è dedicato a una ricostruzione della vita notturna di Avana. La fotocamera Mikhail Kalatozov si trova in cima al famoso hotel Tropicana, che vediamo la terrazza panoramica occupata da turisti americani che sono spettatori di una parata bikini accompagnata da un concerto rock. La fotocamera scende (senza tagliare) in piscina e quindi (con taglio) al cabaret. Qui i cambiamenti musicali e uno dei cantanti dei piatti interpreta il Bolero “Loco Amor”. La fotocamera ci mostra il cinismo e le relazioni perfettamente ineguali di tre uomini d’affari americani con i giovani allenatori del paese. Dopo, sempre con musica cubana sullo sfondo, vediamo, all’aperto (con troppa luce) l’incontro tra un giovane mercante di frutta, un membro della lotta illegale contro Batista, e la sua fidanzata, Maria, un triste mulatto che, senza sapere It, lavora in Tropicana sotto il nome di Betty. Quando Maria entra nella scatola per raggiungere i suoi colleghi, la musica cambia e l’alcool e il boogie woogie, la musica frenetica americana, causa in esso una perdita di controllo totale su se stesso e uno stato di possesso e eccitazione parossistica che giocano con i rituali del Santería e che segnano la sua metamorfosi a Betty. Alla fine della serata di Bob, il meno insensibile dei tre americani sedotti dal giovane cubano, vuole visitare la borsa Betty e rimanere lì tutta la notte per conoscere la realtà della vita cubana. Al mattino deve fuggire, appall, perseguito dai figli della baraccopoli, che vogliono i suoi soldi, e dalla voce fuori da Cuba, che gli disse:

Io sono Cuba. Perché fuggiti? Sei venuto qui per divertirti. Divertiti! Non rinunciare agli occhi. Guarda. Sono Cuba. Per te sono bar, hotel, casinò, ma le mani di questi figli, questi vecchi sono anche io.

21 del discorso si adatta perfettamente a la retorica sociale e di solidarietà della rivoluzione e del socialismo, ma come in tutto il film, proprio per questo motivo maledetto per 30 anni, le immagini documentano una storia molto più strappata, certamente fatta di materiali necessari, ma anche fatti di desideri e sogni, che l’influenza degli americani e sovietici sull’isola ha sempre beneficiato.

  • 1 la traduzione francese (“meglio del maracas of machin”) perde il gioco di parole su “Sonado (…)

l seguente La tappa del nostro percorso ci conduce molto lontano da Cuba, dall’altra parte dell’Atlantico, in Spagna. Il FIC-DOC Machín: TODA UNA VIDA (da Nuria Villazán, 2002) ci offre un ritratto nostalgico del musicista cubano Antonio Machín, spagnolo naturalizzato al momento del francoismo. Machín, la sua musica, la sua elegante immagine di mulatti e le sue maracas (la cui espressione divenne proverbiale “más sonado di las maracas del machín1”) erano la chiave per l’import-export della musica Boléro e Cuban of the Boléro e Boléro Anni quaranta in Spagna della televisione statale e del desarrollismo (la grande era di sviluppo). Machín, nato nel 1902, è un po ‘più vecchio delle stelle del BVSC. La sua carriera internazionale lo aveva già rimosso da Cuba, prima del Batista e della vittoria di El Ejercito Rebelde e le ragioni che lo hanno fatto scegliere Spagna come ultima Il palcoscenico della sua vita artistica è più personale che ideologico.Non è mai stato un vero rifugiato politico, ma un po ‘come il giocatore di football Kubala, dopo la sua decisione di stabilirsi e lavorare in Spagna, a volte è stato usato dal regime di Franco come simbolo vivente della “ostilità del comunista a qualsiasi forma del talento.

23 La vita artistica di Antonio Machín e i ricordi della sua famiglia spagnola e del suo pianista “Botafogo” ci offrono un’immagine esemplare dalla sua carriera come simbolo esotico e eroe tropicale di una periferia immaginaria. Tra i testimoni che dichiarano la loro devozione ai tropici poiché sono rappresentati nella musica di Machín, ci sono molti che non hanno mai avuto simpatia per Franco e la sua dieta (Joaquín Sabina). Ci sono state anche alcune volte la loro simpatia per il castrismo (Joan Manuel Serrat, protagonista pochi anni fa, una bella relazione sul suo tour a Cuba negli anni ’70. È ovvio che nel caso di Machín, anche più che in quello di I vecchi di BVSC, è più una questione di sensibilità che l’ideologia, la cosa più importante è lo stile e non il messaggio.

24dex anni fa prima del 2000, in un altro film che dice “Toda Una Vida “, Julian Schnabel aveva scelto come oggetto di filmare il testo di prima della notte cade, traduzione dell’autobiografia dello scrittore cubano Reinaldo Arenas, in cui la relazione tra musica cubana, omosessualità e anti-castrismo è fatto molto più diretto e radicale. In questo caso, come in quello di Machín, la musica partecipa allo stesso tempo della cosa sembrata, della vita storica, e dalla prospettiva con cui questa vita si trasforma in discorso. Durante il film, il r La directory di ICHE del suono e del Bolero è sempre associata all’omosessualità, al sogno di scappare dall’isola e alla violenza del regime. Il discorso sull’uso della musica è ancora più spiegato nel passaggio in cui l’autore confronta la macchina da scrivere in un pianoforte, o nell’ultimo delirio, quando un onomatopeo (il “ta-ta-ta” della musica) accompagna la caduta di qualsiasi limitazione al furto sognato della libertà. Sotto il titolo dell’ultimo Schnabel sorge un mix di classici di suono e vecchie immagini della vita notturna a L’Avana. L’ultima sequenza di questo montaggio mostra un’orchestra degli anni che rende le ripetizioni in un discoteca.

25 La vita di un altro nightclub, “El Trópico”, è al centro della parola e dalla storia di Goodbye Cuba (2006), primo film messo in scena dal famoso attore cubano-americano Andy Garcia. Lo scenario del film è stato scritto dal romanziere cubano Guillermo Cabrera Infanta e, come il testo di Ante che ante che Anteezca, rappresenta l’ultimo lavoro di uno degli scrittori più famosi dell’opposizione intellettuale cubana. Il film racconta la storia della famiglia Fellove (“chi è caduto innamorato”). Nella rappresentazione della vita di questa grande famiglia, Andy Garcia, ovviamente si attacca allo stile del buon padrone di Francis Ford Coppola. Il centro della storia vede la vita parallela di due fratelli, separati dalla rivoluzione. Il più saggio, FICO (interpretato da Andy Garcia), vorrebbe prendersi cura solo dello spettacolo del suo club, ma la storia vuole altrimenti e deve lasciare la sua scatola e la sua patria. La sua visione dell’uomo di famiglia e del patriarca tradizionale, che condivide con suo nonno e suo padre, e che usa anche nel suo lavoro, impedisce a lui di comprendere e accettare lo spirito e la retorica di una rivoluzione che, per lui, è solo un commercio Unione, corrotto e militarizzato, promuovendo un processo di standardizzazione e approvazione che umilia l’arte dell’arte, rendendo i musicisti dei ripetitori e degli artisti dei lavoratori come tutti gli altri.

  • 2 Instituto Cubano de Arte E INDUSTRIA CINEMATOGROGROFICOS.

26in La visione di FICO Ognuno è unico, incluso lui stesso, la donna che ama e l’isola di Cuba, con il quale identifica. Esilato negli Stati Uniti, Fico rende la musica la sua patria e la copia della sua patria, l’espressione e il luogo della sua nostalgia e il suo amore per la sua città perduta, che è, allo stesso tempo, una città di Yesteryear e una città altrove. È l’Avana del cinema, come ricorda che Cabrera Infanta en Exil a Londra, trasformata nello schermo dell’Avana, immaginato e riprodotto nel cinema di Andy Garcia. È la mitica l’Avana della musica, questa luce tropicale dei quarantini, come uno dei sogni oggi negli Stati Uniti. Come la donna del Bolero, la città è idealizzata; Come l’amore nel Bolero, la rivoluzione è messa in abisso.Nei film di Garcia e Schnabel, la rappresentazione del processo rivoluzionario offre un passaggio rapido e violento di un’immagine della celebrazione eroica e dell’isola giovanile ad un’immagine del menest della prigione e della gioventù persa, dalla morte di cui al pensionamento della pensione di Fidel una possibile metafora dell’avventura umana alla caricatura di una burocrazia sempre più disumana e sclerotica (già rappresentata al cinema dai cineasti dell’ICAIC2 degli anni ’60 e 1970 come “Titón” Gutiérrez Alea e Sara Gómez).

27 Dove la formula del debito che i film che abbiamo analizzato hanno con le nostre e le parole del suono e del Bolero: è la visione di una vita interrotta, tagliata, passata, ad una parte, dall’infanzia e dalla gioventù al tramonto e nostalgia. Reinaldo Arenas e FICO Fellove sono molto simili alla rivoluzione che non possono capire. Tutto nelle loro vite si dà sempre “Antes del Alba” (“prima dell’alba”) o “Antepes che ante quell’antiezca” (“prima della notte”). Puoi andare direttamente all’Agonia della vita che fugge.

28iven 2003 e 2004, Oliver Stone ha dedicato due film, comandando e in cerca di Fidel, al suo desiderio di capire la solitudine di Castro e il crepuscolo e la dieta. I due film (con pochissimo musica e quasi nessun suono e bolero) raccontano l’incontro di due vecchi soldati che hanno difficoltà ad accettare che le loro lotte sono state finite per molto tempo, che sono state perse di più dall’uso del tempo solo Nei rispettivi fantasmi di sconfitta (pietra, saigon) e vittoria (da Castro, Avana). La guerra fredda è stata troppo lunga. Il suono e il bolero, come la Terra celebrati dal nonno di FICO a Adieu Cuba, sono ancora lì, sempre nello stesso posto. Il suo vecchio ha vinto la loro battaglia di resistori e la conquistava come un vecchio, perché il suono e il Bolero non sono mai stati come una scuola straordinaria per l’invecchiamento, per invecchiare molto, ma mai completamente e, soprattutto, non troppo veloce.

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