materialize o esquecimento, infinito

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  • o ser do trabalho
  • quando o Material testemunha
  • giriteps, entre ausência e revelação

“o cérebro é o nosso trabalho e não sabemos”

catherine Malabou

todo ser humano, pela especificidade de suas experiências, molda um cérebro plástico, como criador e receptor de formas, convocando aqui o artista, cuja intenção é precisamente para dar, mudar ou destruir a forma . No campo neurocientífico, a tripla possibilidade de plasticidade para dar, para receber, mas também explodir não supor que nem um retorno à forma inicial, nem mesmo a possibilidade de um inalterável. A estrutura cerebral não resiste mais do que o suporte “plástico” para as deformações do tempo. O ser humano precisa de marcos, precisa da ilusão de evoluir em um ambiente estável para construir. Plasticidade, no entanto, convida a receber uma matéria cerebral que parece estar de acordo com a impermanência em que tudo é construído e qualquer estado. Vamos estudar aqui os efeitos da plasticidade plástica em artistas com neurodegeneces e irá interrender a frágil relação entre material pictórico e cérebro.

o ser do trabalho

hoje ‘Hui considerou um grande Revolução do século XX, a descoberta da plasticidade cerebral é na origem das profundas modificações na forma de apreender e compreender as relações interativas dos seres humanos, os mecanismos íntimos de memorização, cognição e percepção, mais radicalmente sua relação com o mundo . O homem é o produto de uma evolução genética e epigenética que depende de um ambiente político familiar, social, cultural. O artista que é definido como qualquer indivíduo em suas sucessivas transformações, em sua capacidade de modificar suas formas, “esculpições” pela qualidade de suas intenções e sua abordagem seu cérebro. Todas essas estruturas define sua capacidade de agir e produzir um trabalho cuja singularidade confia em sua realidade emocional, sua história e todas as reuniões que terão deixando algumas pegadas em sua Gyri. O artista confronta determinantes biológicos e ambiente cultural através de mecanismos de vários níveis perceptivos.

Mas qualquer trabalho é produzido por uma ação elaborada acima de tudo por um corpo sensível e moderno. “Aprendemos por corpo” asseguramos Bourdieu. Esta “carne” formada e deformada por esta fricção permanente constrói uma identidade espiritual que atua em troca, pela constituição de um universo sensorial único. O compromisso psíquico do artista desempenha um papel em sua prática, sobre como ele trabalha o assunto, mas também sua matéria cerebral, a fim de transformar o outro para o reconhecimento de sua própria transformação. Qualquer pesquisa em artes visuais é baseada em um entrelaçamento de experiências sensoriais, emocionais e intelectuais, que por sua vez produz novas situações experimentais, conceituais e às vezes técnicas: “A incorporação de informações externas modifica o estado e a estrutura biológica do corpo, operando remodelflefle biocultural. O corpo não acha conscientemente essa mudança, mas realiza uma série de mudanças de seu sujeito, cumprindo as informações ambientais. “

É pela subjetividade reivindicada, das quais ele lida com o objeto externo que interessa que o trabalho, como elemento ambiental, tem uma influência material e neuronal nos homens. Este projeto moral, esta necessidade interior deve de acordo com Kandinsky permitir a transformação do mundo. Para ele, o artista tem o dever em direção ao trabalho, como “servo de ideais superiores, com tarefas precisas e importantes e sagradas”. Ele deve servir arte no reconhecimento de sua capacidade de tocar na alma, atuar na atmosfera espiritual e, assim, transformar o ser humano. O trabalho contém a memória orgânica da singularidade do artista, uma questão para pensar. Neste espaço particular de diálogo entre assunto e objeto, entendemos melhor a importância de uma somo-estética enriquecedora da recepção reconhecida das sensações e emoções. Qualquer modificação sensorial, tão pequena quanto é, será bem-vinda como informação externa capaz de produzir um impacto mais ou menos consciente no cérebro, neurônios, pensamento. Reconhecendo esses movimentos vitais internos, recebê-los como elementos de uma novidade, um imprevisível, torna possível estar ciente desse surto contínuo, para se aproximar de si mesmo. Etienne Sourirai diria que este “monstro para nutrir” explora e digere recursos íntimos.O artista visual reproduz à sua maneira o processo intracerebral no trabalho. O pensamento produz um material que influencia esse mesmo pensamento que o artista produz um trabalho que a modifica. O trabalho e seu mestre se iluminaram mutuamente.

É, portanto, uma questão de questionar não apenas a autonomia do trabalho, mas mais avançar sua capacidade de agir sobre o artista em troca. Ela fala, traduzida, torna visível, mas também pode se esconder, se esconder para melhor revelar: “O trabalho tem seu próprio indivíduo, é auto-suficiente e requer um lugar específico, um comportamento de meditação, concentração, lembrança e solenidade devido ao respeito Por seu mistério. “É um material vivo que é, de um” outro “com o qual todos tentam entrar em contato. A uma vez de sua realização, o trabalho atinge um certo coeficiente de autonomia que torna possível colocar a hipótese de influência em resposta. Nós somos o que criamos. René Passenel não hesita em confirmar que “muitas vezes, o trabalho realizado muda o homem que o fez instalado fora dele e materialmente uma nova realidade”. Assim, a abordagem artística deve integrar essa relação recíproca entre o artista e seu trabalho, um processo ponético de influência reflexiva complexa. A obra de arte dá a possibilidade de materializar um estado temporário da carne do artista no mundo, uma plasticidade cerebral com um pensamento para mecanismos íntimos e complexos. Ele expõe a qualidade e a densidade das interações diárias do artista e permite a experiência imediata das coisas. Ela continua sua implantação energética sobre suas reuniões. A imagem tem uma força “Auric” que transcende sua própria materialidade. Refere-se à singularidade absoluta da matéria, sua presença na menor partícula de que é constituída. Cada grão é em si um mundo. Experiência semiótica cuja forma excede os limites do objeto, o trabalho não se limita a si mesmo. Arte como um meio de transmitir e fornecer informações factuais e emocionais, antecipando e permitindo uma exploração funcional da mente, parece fazer parte de uma dimensão de refinamento homeostático conectando dimensão biológica e espiritual.

quando o material testa / h2>

O plástico visual é assim confrontado com uma matéria mental em movimento, construindo a cada momento uma relação renovada com suas obras e sua prática. Na história da pintura, encontramos artistas que, embora uma degeneração neuronal, continuasse seu trabalho artístico, desde que tenham sido capazes. É assim interessante apreender a evolução da doença de Alzheimer tornada visível, explorando as obras de Kooning e Utermohlen nos últimos anos de suas vidas. A pintura revela e testemunha aqui de uma doença cerebral evolutiva. A expressão pictórica muda de acordo com seu desenvolvimento, simplifica, também densifica para dar lugar aos silêncios de uma ausência instalada. A desmaterialização do traço pictórico acompanha o do cérebro. Duas exclusões coordenam sua ação. A pintura digitaliza à sua maneira que a profissão médica não mais perceberá nesta fase da patologia. O ser fechado, o visual deve ser esquecido e o ambiente reduz o seu impacto até que a história do paciente esteja também ausente.

Catherine Malabou interoja este trauma contemporâneo e a personalidade deste recém-chegado que atrai uma história sem O passado próximo, em um presente que cada momento apaga o precedente sem anunciar o seguinte. O filósofo que conhecemos interesse pela neurociência analisou a doença de Alzheimer. Tocado diretamente em sua família pela doença de sua avó, por esta disfeitura emocional, ela tenta escrever outra história de psicanálise, reconhecendo essa destruição cerebral as potencialidades da aparência de uma nova pessoa, sem passado. A plasticidade psíquica do ser humano leva aqui seu valor na retirada em uma dimensão da destruição, uma plasticidade da morte, não mais a morte da morte, mas a morte do impulso. Conjugado a uma certa “desativação”, o ato artístico não parece ter o seu lugar. Ele não pode mais criar link com o outro. Plasticidade, em sua dimensão lesional, oferece na transformação do gesto toda a sua materialidade emocional. Aniquilação da forma de plástico em sua dupla definição neuronal e pictórica. O artista deixa sua identidade e deserta um mundo para outro, inacessível para sua comitiva. O paradoxo neuronal atinge aqui de maneira concreta. O dano cerebral leva a danos emocionais e cognitivos que impede qualquer testemunho de plástico no final da doença.

Doença de Alzheimer, William Utermohlen materializou a evolução dessa patologia através de seu trabalho artístico, até que não deixe possibilidade de expressão pessoal. O testemunho pendente da experiência subjetiva da degradação gradual de suas capacidades de criatividade e representação nos dá um traço que está lentamente ausente durante uma dúzia de anos. O pensamento é construído a partir dos mecanismos de memória. Quando este último desaparece em todas as formas que agora são reconhecidas para ele, incluindo memória de trabalho e memória episódica, o espírito e a capacidade de refletir e trocar da pessoa afetada entra em colapso com ela. Não estamos mais na respiração do diálogo, mas no coração da fragmentação de uma memória fugindo que obriga a um presente permanente, à tranquilidade reconfortante e frágil de lembranças distantes que às vezes estão lutando com emoções animadas. Esqueça exige o excedente de representações recentes de sua história em relação à apagamento sem retorno possível, radical, eficaz e que continua doloroso, desde que a consciência da doença mostre alguns sinais de existência. A pessoa pode parecer envelhecida e, no entanto, ela perde qualquer poder sobre um presente que desaparece por recortes sucessivos. O relatório secreto que algumas pessoas mantêm com o esquecimento perdem sua eficiência interpretativa, sua função poética.

  1. utermohlen é sessenta e dois quando o diagnóstico é perguntado enquanto ele viu os efeitos por mais de quatro anos. Realiza-se neste primeiro período uma série de seis mesas, peças de conversação, sob a forma de um inventário espacial e temporal em uma provável preocupação em marcar seu universo familiar contra os distúrbios progressistas de uma doença que já suspeita. Ele continua a ser representado para se certificar de que não se esqueça. No entanto, isso gradualmente desaparece de suas pinturas ou se instala com pessoas que falam umas com as outras. Apesar de uma motivação para sempre criar tão animada, sua interpretação da realidade está enfraquecendo. Enraizado na pintura figurativa, então cria uma série de auto-retratos nos últimos cinco anos de expressão de plástico até que desapareça lentamente em silêncio. Seus desenhos de linha final veem as formas de seu rosto até não mais do que um oval vazio. Um filme dirigido pela Frédéric Company em 2009, o olho de vidro, traça esta rota perturbadora. W. Utermohlen, ciente da degradação inexorável de seu pensamento, pintou seu mundo familiar, objetos, amigos em uma situação diária, conhecidos exteritores que são de todas as impressões visuais, mas também táteis e olfativas, supostamente preservarão um universo coerente ao qual ele espera para poder encaminhar o maior tempo possível. Seus retratos, embora testemunham distorções de proporções e organização espacial, originalidade expressa e alta qualidade de emoção. A raiva e a tristeza se misturam com a servir um trabalho que ganha a abstração e a expressividade. “O artista se torna sua doença”, informa seu médico, Patrice Polini. Estas são obras perturbadoras; Eles constituem uma luta final contra um universo que se estreita sem remissão possível. O artista depressivo também realiza auto-retratos “para experimentar a sensação de sua presença, a realidade da existência” onde a ansiedade, confusão, susto, mas também vergonha e fadiga. As formas desorganizam para desaparecer por trás da verdade expressiva final de um presente. As obras do artista testemunham a história de um ser que escapa lentamente para si mesmo, até completamente exaustão das capacidades de comunicação. W. utermohlen conseguiu representar com a emoção a realidade indescritível de uma dolorosa vida diária.

doenças neuronais e desabilitando doenças que afetaram outros artistas como Chillida, Kooning e Gaudì Eles também são observados com interesse por neurocientistas. Eduardo Chillida continuou seu trabalho de escultor, conduzindo obras monumentais enquanto sua memória o deixou, como se suas capacidades criativas encontrarem os caminhos de uma expressão autônoma. O pintor Willem de Kooning declara a doença de Alzheimer no final dos anos setenta e, ciente da mudança nele, no entanto, continua sua pesquisa acelerada até produzir várias obras por semana. Ele criará cerca de trezentos trabalhos neste último período: “Anteriormente, foi uma questão do que eu não sabia. Agora não é para saber o que eu sei.”

Sua expressão de plástico evolui até o final de sua carreira.Ele mostra uma capacidade considerável de concentração e criatividade e continua seu trabalho pictórico, apesar de sucessivas perdas cognitivas e funcionais através do desenvolvimento de estratégias de resistência. As pinturas fazem parte da extensão de seu trabalho anterior, mas algo novo e poderoso também parece ser expresso. Os ritmos posaram, mais espaços abertos, calma não publicado, frescura, traço intangível, constituem tantos termos que tentam definir as transformações pictóricas do artista que a doença já desativou. Como as obras de outros criadores em sua situação, as de W. de Kooning permitiram que os neurocientistas vissem através deles as conseqüências das modificações visuo-espaciais e cognitivas causadas por esta doença. As obras aqui oferecem um diagnóstico eficaz, mesmo que continuem a fazer perguntas sobre a natureza criativa do artista.

giriteps, entre ausência e revelação

artista de plástico, mas também o terapeuta de música, Estão procurando há mais de vinte anos em casas de aposentadoria com pessoas com doenças neurodegenerativas, principalmente a doença de Alzheimer em diferentes estágios da evolução. A palavra é gradualmente perturbada. O discurso se desintegra. Não estamos mais em uma expressão oca, ainda mais em uma plasticidade negativa, o que ainda seria uma expressão material, mas verdadeiramente no plastique de uma história que parece tocar em um certo fim, mas que não se pode dizer que afirmava. então no fim. Não é mais uma questão de adaptabilidade relacionada à plasticidade neuronal, mas sim a disponibilidade em movimento para outros espaços íntimos, outros infinitos indescritíveis, potenciais desconhecidos. A dificuldade de acompanhá-lo para se comunicar neste lugar não pode confirmar o desaparecimento de qualquer forma de troca. No entanto, um silêncio sem concessão freqüentemente se refere a uma sensação de impotência vertiginosa às vezes intolerável. Isso entre o verbal, ou talvez isso além, constitui em sua multiplicidade o motor de um dos temas desenvolvidos em meu trabalho artístico. Entre hermetismo e desvelar, privação ou suplemento, essas trocas perturbam e questionam o artista visual, como o terapeuta e o ser humano. Na encruzilhada dessas áreas, a criação de giriteps, uma espécie de proto-escrita, vem implantando suas diferentes polissemias por vários anos. Esta pesquisa pictórica tende aqui para celebrar uma troca em desaparecimento, mas também talvez na criação, mais certamente em transformação. Esses gráficos fictícios e silenciosos parecem pertencer a um alfabeto ainda não revelado como se um Ultimate PLI impedisse sua implantação total. Eles convenam o silêncio de um material que ainda resiste às explorações e tratamentos neurocientíficos. Isso é formado e deformado aqui com metamorfoses incapazes de absorver os acidentes de material neuronal.

Esquecido, este exterminador de memória, agora invade todos os suportes selecionados em s ‘imponentes sem concessão. A fragilidade da condição humana faz parte de uma série de pesquisas entre destruição e reconstrução. O ritmo musical das partições silenciosas dos Giriteps passa pela materialização de uma história indisponível e recorda a importância de escrever em suas primeiras qualidades gráficas. Em um tempo circular dentro, presente e futuro se juntar ao próprio infinito, a si mesmo lembra a intemporalidade fundamental de qualquer forma de sinal. A realidade a que o ser normalmente constituído se confrontam poderia representar apenas a aparência de uma totalidade, escapando pela constituição de suas capacidades biológicas e neuronais para qualquer percepção geral de um universo com fronteiras desconhecidas e funcionamento. Fruta terminada e infinita no coração da mesma experiência sensível. O ser humano, que morre para si mesmo cada momento para nascer de outro, é revelado em uma troca de possibilidades móveis. Da mesma forma que tudo ao seu redor parece construir um mundo temporário, os giriteps escrevem as linhas de um parente, parcela de presença, à conquista de espaços deixados vago tão talvez para assimilar a estranheza perturbadora.

Os giriteps cobriam parcialmente a página de um antigo atlas no mundo. Novos cursos apagam assim os antigos e dão indicações indeciplíveis no mais distante das estradas em influência. Os desenhos partem para conquistar um “espaço de dentro” não compartilhado, inacessível. Eles se espalham sem possibilidade de retorno, confrontando com sua impotência aquele que tentaria se lembrar da leitura de nomes familiares. Objetos de outra narração territorial, esses sinais gráficos testemunham a um material psíquico enterrado.Empréstimos para se mover em uma forma de errante ilimitado, eles se referem a alguma essência indescritível do mundo, alguma matriz universal e convoca um espaço ainda não identificado que encontra suas raízes nas arcanos de uma possível fuga. Entre produção e destruição de sinais, o significado de qualquer proto-escrita retorna à invisibilidade, em uma tentação de desgregação de códigos e poderes associados a eles. “A realidade é o fantasma pelo qual o sinal preserva indefinidamente da desconstrução simbólica que o assombra” ilumina o Baudrillard. O sinal propõe a ilusão de uma realidade autônoma localizada além de si mesma.

Esta instalação consiste em uma montagem de antigos cartões postais de cidades e locais turísticos tornados irreconhecíveis pela profusão. Desenhos que mascaram leitura. Ele oferece um nomadismo que faz a diferença e os inesperados os parâmetros de uma única viagem interior. Cume o risco de acompanhar um ente querido, se perder com ele sem medo ou projeção, é uma postura ou habitual ou fácil ou facilitada pelo corpo social. Este trabalho, invasivo porque continua a crescer novos cartões, indica a possibilidade de uma troca de outra qualidade, a de um corpo sensível em que os experimentos universos ainda e cujos bordas e limites permanecem desconhecidos. O que faz a diferença é a distância impassível, decidida ou sofrida por uma maioria consentidora.

A plasticidade plástica desintegra assim as relações humanas, enfraquece as possibilidades de compreensão recíproca. Essa estranheza que perturba e preocupa uma pessoa socialmente integrada impulsiona a outra, o estrangeiro, aquele que parece se afastar e abandonar um terreno comum acentuado, para um infinito inimaginável que se veste de uma ausência sem retorno. Pela dimensão abstrata dessa proto-escrita, das quais Kandinsky ligaria de volta que sua realidade é sua ressonância interior, os sinais propõem uma revelação que leva suas raízes em uma sensação de estranheza, mas também pode estar ansiosa, a do lugar abandonado. Por sociedade para as pessoas que parecem ter perdido, ao mesmo tempo que sua autonomia, qualquer possibilidade de respeito e dignidade. São escritos aqui infinis intangíveis que não parecem seduzir os seres comuns que somos.

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citação Este artigo

sylvie capitão-sass, “materialize o esquecimento, infinito”, criações, cérebros, infinito # 08, colocado online em 3 de junho de 2019, consultado em março 12, 2021. URL: https://plastik.univ-paris1.fr/materialiser-loubli-a-linfini/

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