Materializarea uitării, Infinity

Cuprins

  • Ființa lucrării
  • Când Materialul mărturisește
  • gyriteps, între absență și revelație

„creierul este munca noastră și nu știm”

Catherine Malabou

Ființa umană, prin specificitatea experiențelor sale, formează un creier de plastic, ca creator și un receptor de forme, convocând aici artistul, a cărui intenție este tocmai pentru a schimba sau distruge forma . În domeniul neurologului, triple posibilitatea de a da, de a primi, dar, de asemenea, să explodeze nu se presupune nici o revenire la forma inițială, nici nici măcar posibilitatea unui nealterat. Structura creierului nu rezistă mai mult decât suportul „plastic” pentru deformările momentului. Ființa umană are nevoie de repere, necesită iluzia evoluției într-un mediu stabil pentru a construi. Plasticitatea invită, totuși, să salute o materie creier care pare să fie în conformitate cu impermanența pe care este construită totul și orice stare. Vom studia aici efectele plasticității plastice asupra artiștilor cu neurodegeneces și vor interveni relația fragilă dintre materialul ilustrat și creierul.

Ființa lucrării

astăzi „Hui a considerat un major Revoluția secolului al XX-lea, descoperirea plasticității cerebrale este la originea unor modificări profunde în modul de reținere și înțelegere a relațiilor interactive ale ființelor umane, mecanismele intime ale memorizării, cunoașterii și percepției, atât de radical a relației lor cu lumea . Omul este produsul unei evoluții genetice și epigenetice care depinde în sine de un mediu familial, social, cultural, politic. Artistul care este definit ca orice persoană în transformările sale succesive, în capacitatea sa de a-și modifica formele, „sculpturile” de calitatea intențiilor sale și abordarea creierului său. Toate aceste cadre definește capacitatea sa de a acționa și de a produce o lucrare a cărei singularitate se va baza pe realitatea sa emoțională, istoria și toate întâlnirile care vor lăsa niște urme în gyri. Artistul se confruntă astfel cu determinismele biologice și mediul cultural prin mecanisme perceptive pe mai multe niveluri.

Dar orice lucrare este produsă printr-o acțiune elaborată mai sus de un corp sensibil și moderabil. „Învățăm pe corp” asigură Bourdieu. Această „carne” formată și deformată de această frecare permanentă construiește o identitate spirituală care acționează în schimbul acestuia, prin constituția unui univers senzorial unic. Angajamentul psihocorporal al artistului joacă un rol pe practica sa, despre modul în care lucrează subiectul, dar și materia cerebrală pentru a transforma cealaltă în recunoașterea propriului său transformare. Orice cercetare în domeniul artelor vizuale se bazează pe o interlare a experiențelor senzoriale, emoționale și intelectuale, care, la rândul său, produce noi situații experimentale, conceptuale și uneori tehnice: „Încorporarea informațiilor externe modifică statul și structura biologică a corpului prin operarea a Remanierea bioculturală. Organismul nu gândește în mod conștient această schimbare, dar efectuează o serie de schimbări subiectului acestuia prin respectarea informațiilor despre mediu. „

este prin subiectivitatea revendicată a căreia se ocupă de obiectul extern interesează că lucrarea, ca element de mediu, are o influență materială și neuronală asupra bărbaților. Acest proiect moral, această necesitate interioară trebuie să fie conform lui Kandinsky permit transformarea lumii. Pentru el, artistul are datoria față de lucrare, ca „slujitor de idealuri superioare, cu sarcini precise, importante și sacre”. El trebuie să servească artă în recunoașterea capacității sale de a atinge sufletul, de a acționa în atmosfera spirituală și de a transforma ființa umană. Lucrarea conține amintirea organică a singularității artistului, o chestiune de a gândi. În acest spațiu particular de dialog între subiect și obiect, înțelegem mai bine importanța unui soma-estetica îmbogățită a bunăstării recunoscătoare a senzațiilor și emoțiilor. Orice modificare senzorială, cât de mică este, va fi salutată ca informații externe capabile să producă un impact mai mult sau mai puțin conștient asupra creierului, neuronilor, gândirii. Recunoscând aceste mișcări vitale interne, salutându-le ca elemente de noutate, o imprevizibilă, face posibilă faptul că este conștient de această spurt continuu, pentru a se apropia de sine. Etienne Soirerai ar spune că acest „monstru de hrănit” exploatează și digeră resursele intime.Artistul vizual reproduce în felul său procesul intracerebral la locul de muncă. Gândul produce un material care influențează același gând ca artistul să producă o lucrare care o modifică. Lucrarea și maestrul său au aprins reciproc.

Este, prin urmare, o chestiune de a pune la îndoială nu numai autonomia muncii, ci mai mult, capacitatea sa de a acționa asupra artistului în schimb. Ea vorbește, tradusă, face vizibilă, dar poate să se ascundă, de asemenea, să se ascundă mai bine: „Lucrarea are propriul individ, este autosuficient și necesită un loc specific, un comportament al meditației, concentrației, amintirii și solemnității din cauza respectului Pentru misterul său. „Este un material viu pe care îl este, al unui” altul „cu care toată lumea încearcă să intre în contact. La un moment dat de realizare, lucrarea atinge un anumit coeficient de autonomie care face posibilă punerea ipotezei unei influențe ca răspuns. Suntem ceea ce creăm. René Passenel nu ezită să confirme că „foarte des, munca realizată schimbă omul care la făcut instalat din el și în mod material o nouă realitate”. Astfel, abordarea artistică trebuie să integreze această relație reciprocă între artist și munca sa, un proces poneic de influență complexă reflexivă. Activitatea de artă oferă posibilitatea de a materializa o stare temporară a cărnii artistului în lume, o plasticitate cerebrală, cu un gând de mecanisme intime și complexe. Expune calitatea și densitatea interacțiunilor zilnice ale artistului și permite experiența imediată a lucrurilor. Ea continuă desfășurarea ei energică asupra întâlnirilor sale. Imaginea are o forță „aurică” care transcende propria sa materialitate. Se referă la singularitatea absolută a materiei, prezența sa în cea mai mică particulă din care este constituită. Fiecare cereale este ea însăși o lume. Experiența semiotică a cărei formă depășește limitele obiectului, munca nu este limitată la ea însăși. Artă ca mijloc de transmitere și furnizare a informațiilor factuale și emoționale, anticipând și permițând o explorare funcțională a minții, pare să facă parte dintr-o dimensiune de rafinament homeostatic care leagă dimensiunea biologică și spirituală.

H2> Când materialul mărturisește

Plasticul vizual se confruntă astfel cu o chestiune mentală în mișcare, construind la fiecare moment o relație reînnoită cu lucrările sale și practica sa. În istoria picturii am întâlnit artiștii care, deși o degenerare neuronală, și-au continuat munca artistică atâta timp cât au fost capabili. Prin urmare, este interesant să se rețină evoluția bolii Alzheimer vizibile prin explorarea lucrărilor lui Kooning și Utermohlen în ultimii ani ai vieții lor. Pictura dezvăluie și mărturisește aici o boală cerebrală evolutivă. Expresia picturale se schimbă în funcție de dezvoltarea sa, simplifică, de asemenea, densifică să se ducă la tăcerea unei absențe instalate. Dematerializarea urmăririi picturale însoțește cea a creierului. Două deleții își coordonează acțiunea. Pictura scanează în felul său, ceea ce profesia medicală nu va mai realiza în această etapă a patologiei. Fiind se închide, aspectul trebuie să fie uitat și mediul își reduce impactul până când istoria pacientului este, de asemenea, absentă.

Catherine Malabou interoghează această traumă contemporană și personalitatea de la acest nou venit care atrage o poveste fără Trecutul apropiat, într-un cadou care în fiecare moment șterge precedentul fără a anunța următoarele. Filozoful pe care îl cunoaștem de interes pentru neuroștiință sa uitat la boala Alzheimer. A atins direct în familia sa de boala bunicii sale, prin această dezamăgire emoțională, ea încearcă să scrie o altă poveste despre psihanaliză, recunoscând această distrugere cerebrală potențialul apariției unei persoane noi, fără trecut. Plasticitatea psihică a ființei umane ia aici valoarea sa în retragere într-o dimensiune a distrugerii, o plasticitate a morții, nu mai este moartea morții, ci moartea unității. Conjugat la o anumită „dezamăgire” act artistic nu pare să aibă locul său. El nu mai poate crea legătura cu cealaltă. Plasticitate, în dimensiunea sa de leziune, oferă în transformarea gestului toată materialitatea sa emoțională. Anihilarea formei plastice în dubla definiție neuronală și picturală. Artistul își părăsește identitatea și părăsește o lume pentru alta, inaccesibilă anturajului său. Paradoxul neuronal lovește aici într-un mod concret. Deteriorarea cerebrală duce la deteriorări emoționale și cognitive care împiedică orice mărturie din plastic la sfârșitul bolii.

Cu boala Alzheimer, William Utermohlen a materializat evoluția acestei patologii prin munca sa artistică, până când nu lasă nici o posibilitate de exprimare personală. Mărturia remarcabilă a experienței subiective a degradării treptate a creativității și a capacităților sale de reprezentare ne oferă o urmă care este lent absent peste o duzină de ani. Gândul este construit din mecanismele de memorie. Când acesta din urmă dispare în toate formele care sunt acum recunoscute, inclusiv memoria de lucru și memoria episodică, spiritul și capacitatea de a reflecta și schimbul persoanei afectate se prăbușește cu ea. Nu mai suntem în respirația dialogului, ci în centrul fragmentării unei memorii fugind care obligă un cadou permanent, liniștitor și fragil liniștitor de amintiri îndepărtate, care uneori se luptă cu emoții pline de viață. Uitați necesită depășirea reprezentărilor recente ale istoriei sale față de ștergerea fără a se întoarce, radical, eficient și care rămâne dureros atâta timp cât conștientizarea bolii arată unele semne de existență. Persoana ar putea părea să se îmbătrânească și totuși ea pierde orice putere asupra unui cadou care se estompează prin alunecări succesive. Raportul secret pe care unii oameni îl mențin cu Oblivion își pierd eficiența interpretativă, funcția sa poetică.

  1. utermohlen este șaizeci și doi atunci când diagnosticul este pus în timp ce a văzut efectele pentru mai mult de patru ani. Ea efectuează în această primă perioadă o serie de șase mese, piese de conversație, sub forma unui inventar spațial și temporal într-o preocupare probabilă de a-și marca universul familiar împotriva tulburărilor progresive ale unei boli pe care le suspectează deja. El continuă să fie reprezentat pentru a vă asigura că nu vă uitați. Cu toate acestea, ea dispare treptat din picturile sale sau se stabilește cu oameni care vorbesc unul cu celălalt. În ciuda unei motivații de a crea întotdeauna ca fiind plină de viață, interpretarea sa a realității este slăbită. Înrădăcinată în pictura figurativă, atunci creează o serie de autoportrete în ultimii cinci ani de expresie plastic, până când dispare încet în tăcere. Desenele sale finale de linie văd formele feței sale până la o ovală goală. Un film regizat de compania Frédéric în 2009, ochiul de sticlă, urmărește acest traseu supărător. W. Utermohlen, conștient de degradarea inexorabilă a gândirii sale, a pictat lumea familiară, obiectele, prietenii într-o situație zilnică, exteriori cunoscuți care sunt toate impresiile vizuale, dar și tactile și olfactive, presupuse că păstrează un univers coerent la care speră pentru a putea să se refere cât mai mult timp posibil. Portretele sale, deși mărturisește distorsiunile proporțiilor și organizării spațiale, originalitatea expres și calitatea înaltă a emoției. Furia și tristețe se amestecă cu servirea unei lucrări care câștigă abstractizare și expresivitate. „Artistul devine boala lui,” informează medicul, Patrice Polini. Acestea sunt lucrări deranjante; Ele constituie o luptă ulterioară împotriva unui univers care se îngustează fără o remisiune posibilă. Artistul depresiv realizează, de asemenea, auto-portrete „pentru a experimenta sentimentul prezenței sale, realitatea existenței” în cazul în care anxietatea, confuzia, frică, dar și rușine și oboseală. Formele dezorganizează să dispară în spatele adevărului expresiv final al unui cadou. Lucrările artistului dau mărturie povestea unei ființe care scapă încet la el însuși, până la epuizarea completă a capacităților de comunicare. W. Utermohlen a reușit să reprezinte cu emoție realitatea inexplicabilă a unei vieți zilnice dureroase.

dizabilități neuronale și dezactivarea bolilor care au afectat alți artiști precum Chillida, Kooning și Gaudì, sunt de asemenea observate cu interes din partea neurologilor. Eduardo Chillida și-a continuat lucrul pe sculptor prin efectuarea de lucrări monumentale în timp ce memoria lui la părăsit, ca și cum capacitățile sale creative au găsit căile unei expresii autonome. Painterul Kooning Willem declară că boala Alzheimer la sfârșitul anilor șaptezeci și, conștient de schimbarea lui, continuă să-și continue cercetarea accelerată până când veți produce mai multe lucrări pe săptămână. Va crea aproximativ trei sute lucrări pe această ultima perioadă: „Anterior a fost o întrebare a ceea ce nu știam. Acum nu trebuie să știți ce știu.”

expresia lui plastic evoluează până la sfârșitul anului cariera lui.Aceasta arată o concentrare considerabilă și o capacitate de creativitate și își continuă munca picturală, în ciuda pierderilor succesive cognitive și funcționale prin dezvoltarea strategiilor de rezistență. Picturile fac parte din extinderea muncii sale anterioare, dar ceva nou și puternic pare a fi exprimat. Ritmurile postate, spații mai deschise, calm nepublicat, prospețime, trăsătură intangibilă, constituie cât mai mulți termeni care încearcă să definească transformările picturale ale artistului că boala a dezactivat deja. Ca lucrări ale altor creatori în situația sa, cei din W. de Kooning au permis neurologilor să vadă prin ele consecințele modificărilor vizuo-spațiale și cognitive cauzate de această boală. Lucrările de aici oferă un diagnostic eficient chiar dacă vor continua să pună întrebări despre natura creativă a artistului.

Gyriteps, între absență și revelație

Artist plastic, dar și terapeut de muzică, eu Au căutat mai mult de douăzeci de ani în casele de pensionare cu persoane cu boli neurodegenerative, în principal boala Alzheimer în diferite etape ale evoluției. Cuvântul este treptat tulburat. Vorbirea se dezintegrează. Nu mai suntem într-o expresie goală, chiar mai mult într-o plasticitate negativă, care ar fi în continuare o expresie materială, dar cu adevărat în plasticarea unei povestiri care pare să atingă la un anumit sfârșit, dar care nu se poate spune că a afirmat. apoi la un capăt. Nu mai este o chestiune de adaptabilitate legată de plasticitatea neuronală, ci mai degrabă disponibilitatea în alte spații intime, alte infinite nedescrise, potențiale necunoscute. Dificultatea de ao însoțiți pentru a comunica în acest loc nu poate confirma dispariția oricărei forme de schimb. Cu toate acestea, o tăcere fără concesiune se referă adesea la un sentiment de impotență vertigenă, uneori intolerabilă. Acest lucru între verbal, sau poate acest lucru dincolo, constituie în multiplicitatea sa motorul uneia dintre temele dezvoltate în munca mea artistică. Între ermeticism și dezvăluire, privare sau supliment, aceste schimburi deranjează și pune întrebări artistului vizual, ca terapeut și ființa umană. La intersecția acestor zone, crearea Gyriteps, un fel de proto-scriere, a desfășurat diferite polisemii de mai mulți ani. Această cercetare picturală tinde aici pentru a sărbători un schimb de dispariție, dar, de asemenea, probabil în creație, cu siguranță în transformare. Aceste grafice fictive, silențioase par să aparțină unui alfabet care nu a fost încă dezvăluit ca și cum un PLI final a împiedicat implementarea totală. Ei convoacă tăcerea unui material care rezistă încă explorărilor și tratamentelor neuroscientifice. Acest lucru este format și deformat aici cu metamorfoze în imposibilitatea de a absorbi accidentele de material neuronal.

uitat, acest exterminator de memorie, invadează acum toate suporturile selectate în impunerea fără concesie. Fragilitatea stării umane face parte dintr-o serie de cercetări între distrugere și reconstrucție. Ritmul muzical al partițiilor silențioase ale Gyritepsului trece prin materializarea unei povesti indisponibile și reamintește importanța scrisului în primele sale calități grafice. Într-un timp circular din interior, prezent și viitor se alătură infinitului, însuși se reamintește ca fundamentalitatea fundamentală a oricărei forme de semn. Realitatea la care se confruntă în mod normal confruntarea ar putea reprezenta doar apariția unei totalități, scăpând prin constituția capacităților sale biologice și neuronale la orice percepție generală a unui univers cu frontiere și funcționare necunoscută. Finalizat și infinit frecați în inima aceleiași experiențe sensibile. Ființa umană, care moare pentru el însuși în fiecare moment să se nască la altul, este dezvăluită într-un schimb de posibilități mobile. În același mod în care totul în jurul lor pare să construiască o lume temporară, Gyriteps scriu liniile unei relații, parcelă de prezență, la cucerirea spațiilor lăsate vacante, deci poate să asimileze ciudățenia tulburătoare.

Gyriteps au acoperit parțial pagina unui vechi atlas din lume. Cursurile noi elimină astfel vechii și dau indicații indeciprabile la cea mai îndepărtată de drumurile aflate sub influență. Desenele pleacă să cucerească un „spațiu din interior” nu este împărțit, inaccesibil. Se răspândesc fără posibilitatea de a se întoarce, confruntându-se cu impotența sa, cel care ar încerca să-și amintească prin citirea unor nume familiare. Obiectele unei alte nazuri teritoriale, aceste semne grafice mărturisesc la un material psihic îngropat.Împrumuturile pentru a vă deplasa într-o formă de rătăcire nelimitată, se referă la o esență evazivă a lumii, o matrice universală și convocă un spațiu care nu a fost încă identificat, care își găsește rădăcinile în arcanele unei eventuale evadare. Între producția și distrugerea semnelor, sensul oricăror proto-scrieri revine la invizibilitate, într-o ispită de dezagregare a codurilor și a puterilor asociate cu acestea. „Realitatea este fantasmul prin care semnul păstrează pe o perioadă nedeterminată a deconstrucției simbolice care îl bântuie” iluminează Baudrillard. Semnul propune iluzia unei realități autonome situate dincolo de sine.

Această instalare este formată dintr-o adunare de cărți poștale vechi de orașe și locuri turistice prestate nerecunoscute de profund. Desene care leagă. Oferă un nomadism care face diferența și neașteptat parametrii unei singure călătorii interioare. Luați riscul de a însoți un iubit, pentru a se pierde cu el fără frică sau de proiecție, este o postură sau obișnuită sau ușor sau facilitată de corpul social. Această lucrare, invazivă, deoarece continuă să crească cărți noi, indică posibilitatea unui schimb de o altă calitate, cea a unui corp sensibil în care experimentele universelor încă pe deplin și ale căror margini și limite rămân necunoscute. Ceea ce face diferența este distanța impasibilă, decisă sau suferită de o majoritate de consimțământ.

plasticitatea din plastic dezintegrează relațiile umane, slăbește posibilitățile de înțelegere reciprocă. Această ciudățenie care deranjează și se îngrijorează o persoană integrată din punct de vedere social propuls pe celălalt, străinul, cel care pare să se îndepărteze și să abandoneze un teren comun marcat, spre un infinit neimaginat, încât se îmbracă dintr-o absență fără întoarcere. Prin dimensiunea abstractă a acestei proto-scrieri, din care Kandinsky ar chema înapoi că realitatea sa este rezonanța sa interioară, semnele propun o dezvăluie care își ia rădăcinile într-un sentiment de ciudățenie, dar poate fi anxios, cel al locului abandonat. De către societate la persoanele care par să fi pierdut, în același timp cu autonomia lor, orice posibilitate de respect și demnitate. Sunt scrise aici Intangibile Infini, care nu par a seduce ființele obișnuite pe care le avem.

bibliografie

Andrieu Bernard, lumea corpului, constituția interactivă a sinelui, Lausanne, vârsta a omului, 2010.

Baudrillard Jean, mirajul referentului, pentru o critică a economiei politice a semnului, Paris, Galimard, „Testele”, 1976.

Bergson Henri, evoluția creativă, Paris, PUF, Quadrige, Texte Mare, 2006.

Bourdieu Pierre, Meditație Pascaliană, Paris, Seuil, Point, 2003.

Chankux Jean- Pierre, omul neuronal, Paris, Hachette, Pluriel, 1983.

Damasio Antonio R., Eroarea lui Descartes, Paris, Odile Jacob / Pocket, 2010.

Frederick Company, Eye-ul de sticlă, 2009. Video, Durata: 29 mn.

Tale Richard (Dir.), Estetica celui mai rău: primul simpozion la Centrul Pompidou-Metz, Montreuil / Wood, Lienart Editions, 2011.

Deleuze Gilles, Fold, Leibnitz și Baroc, Paris, ediții de Miezul nopții, colecția „critică”, 1988.

Dewey John, artă ca o experiență, Paris, Folio / Proces, 2010.

Goldberg Elkhonon, minunile creierului sau cum Spiritul este Borns cu vârsta, tradus din engleză (Statele Unite) de P. Reignier, Paris, R. Laffont, 2007.

Hantaï Simon, Donație Simon Hantaï, Paris, Muzeul orașului modern din Paris, 1998.

Ishaghpour Youssef, Antoni Tarepies, Lucrări / Scrieri / Interviuri, Paris, Hazan, 2006.

Kandinsky Vassily, spiritual în artă și pictura în special Paris, Folio / Proces, 2004.

Malabou Catherine, ce să faci cu creierul nostru?, Paris, Bayard Presse, 2004.

Malabou Catherine, noul rănit, de la Freud la Neurologie, gândiți-vă Traume contemporane, Paris, Bayard Editions, 2007.

Merleau-Ponty Mauritius, ochiul și spiritul, Parisul, Folio, 2006.

Merleau-Ponty Mauritius, fenomenologia percepției, Paris, Gallimard, 1945.

Michaux Henry, Viața în Foldurile, Parisul, Gallimard, NRF, 1999. 2000, Paris, Asociația Alzheimer, 2007.

Purves D., Augustin GJ, Fitzpatrick D., Hall WC, Lamantia ca., MC Namara Jo, Neuroștiințe, Bruxelles, Ed. De la Boeck și LarCIER, 2007.

Sellal François și Musacchio Mariano, „Creativitate artistică și demență”, Psihologie &

Shustan Richard, conștientizarea corpului.Pentru o soma-estetică, tradusă din engleză (Statele Unite) de N. Oldcasses, ediții ale strălucirii, Paris, 2007.

Souriié étienne, diferitele moduri de existență, urmate de lucrarea de a fi Terminat, Paris, metafizics, PUF, 2009.

Varela Francsico, Thompson Evan, Rosch Eleanor, înregistrarea corpului spiritului, Parisul, pragul, culoarea ideilor, 1993.

Pierre Bourdieu, Meditația Pascaliennes, Paris, Seuil, Punctul, 2003, p. 204.

Potrivit lui Maurice Merleau-Ponty, omul este carnea lumii: „Este prin împrumutând trupul său în lume că pictorul schimbă lumea în pictura”, ochiul și spiritul , Paris, Folio, 2006, p. 12.

Bernard Andrieu, lumea corpului, constituția interactivă a sinelui, Lausanne, vârsta omului, 2010, p. 85.

V. V., Spirity în artă și în pictura în special, Paris, Folio / Proces, 2004, p. 197.

Richard Shustrerman, conștientizarea corpului. Pentru o soma-estetică, tradusă din engleză (SUA) de N. Oldcasses, ediții ale strălucirii, Paris, 2007.

Etienne Souriau, diferitele moduri de existență, urmate de lucrările care trebuie făcute , Paris, metafizică, PUF, 2009, p. 210.

Yousef Ishaghpour, Antoni Tarepies, Lucrări / Scrieri / Interviuri, Paris, Hazan, 2006, p. 93.

René Pass, pentru o filosofie a creației, estetice din Paris, Klinckieck estetică, 1989, p.159.

Catherine Malabou, noul rănit, de Freud la neurologie, gândindu-se la neurologie Traume contemporane, Paris, Bayard, 2007, p. 52.

Patrice Polini (psihiatru al artistului), William Utermohlen, Portrete 1990-2000, Paris, Franța Alzheimer Association, 2007, p. 10. Catalogul publicat cu ocazia conferinței de conferințe eponime la Cité des Sciences și Industrie de la 02 august până la 30 septembrie 2007.

ibid., P. 19.

Elkhonon Goldberg, minunile creierului sau modul în care spiritul este Borns cu vârsta, tradus din engleză (Statele Unite) de P. Reignier, Paris, R. Laffont, 2007, p. 71. Aici ne referim la faptul că boala nu mai permite pacientului să-și îmbogățească sistemul de organism, deoarece nu mai este capabil să răspundă la solicitările externe. Într-adevăr, în același timp, spațiul interior și înfășurarea spațiului, schema corpului face în mod normal să se dezvolte o atitudine dinamică în comparație cu lumea sensibilă care o înconjoară, să-și asume un spațiu / timp de relații în evoluția perpetuă.

Baudrillard Jean, mirajul referentului, într-o critică a economiei politice a semnului, Paris, Galimard, testele, 1976, p. 189.

Catherine Malabou, ce să faci cu creierul nostru?, Paris, Bayard Presse, 2004, p. 25.

Citat acest articol

Sylvie Captain-Sass, „Materialize uitare, infinit”,: creații, infinit # 08, pus online la 3 iunie 2019, consultat în martie 12, 2021. URL: https://plastik.univ-paris1.fr/materialiser-loubli-a-linfini/

copie citat

Lasă un răspuns

Adresa ta de email nu va fi publicată. Câmpurile obligatorii sunt marcate cu *